La composición de esta sublime obra maestra responde a una sensibilidad de poeta inusual en el mundo del cine actual. Su delicada y exquisita banda sonora envuelve unas imágenes que apenas rozan la pantalla, un hombre y una mujer que sin decirse más que cuatro palabras hacen que sintamos todo aquello que quieren decirse y ocultarse... sin que apenas abran la boca, sin que les veamos besarse una sóla vez, tratando de que nadie les descubra, sin saber que sólo los espectadores somos testigos de su dolor, de su yaga solitaria que cura macerando en el seno de su propio infortunio. Por eso Kar-Wai Wong oculta su objetivo entre cortinas, graba reflejos a través de cristales, muestra trazos de amantes sin su otra mitad; porque no quiere inmiscuirse en algo que tan sólo debieran compartir ellos dos, algo espinoso y de triste solución que se les escapa sin que puedan hacer nada por evitarlo, pues no se sienten dueños de ese destino caprichoso que les voltea la vida por completo. Pura poesía audiovisual, virtuosismo de dirección y escuela de interpretación. Los dos actores protagonistas rozan la perfección, pues su actuación nace de una química mutua sólo comparable a la simbiosis necesaria para dar con la idea y el tono exactos que el director tenía en mente. La cinta, a partir de un sencillo guión, se convierte en una experiencia más allá del cine, de arte sensorial estructurado en torno a la música y a las imágenes, cuya suma de sus preciosas partes dan lugar a algo tejido y entrelazado con la fibra de los sentimientos velados que emana dolorosamente a través de sus fotogramas. Kar-Wai se sabe en todo momento conocedor de ese punto exacto donde las emociones fluctúan entre la contención y la visceralidad, y nunca se digna a traspasar una frontera que sería de no retorno para ambos protagonistas. Por eso nunca muestra en pantalla ningún roce que nos invite a pensar en algo parecido al sexo, a la consumación de su amor, ni tan siquiera un beso... nos deja que pensemos lo que queramos de aquel furtivo encuentro, de aquellas horas interminables escribiendo, paseando a solas... pero nunca revela nada. Quiere con ello guardar el secreto de un amor inesperado que ambos desearían no desear tan ardientemente, por el que jamás llegan a luchar de manera abierta, superados por un miedo que no está más allá de ellos mismos, pero al que no tienen el valor suficiente de hacer frente. Al final, cuando él intenta regresar, ya es demasiado tarde, y lo más triste es que intuimos que él ya lo sabía desde el principio. Porque desde un principio sabemos que al final, todo lo deseado más que vivido, quedará relegado a esa intimidad de un muro de piedra perdido entre las ruinas de Camboya, donde cualquier secreto o pasión hiriente pudieran descansar en el letargo momificado del olvido, a pesar de que el olvido abandonado sea un dulce y melancólico veneno que mine lentamente la vida de quien deseó amar pero nunca se atrevió a hacerlo.

El espectador ve a los personajes y a los objetos que les rodean con dificultad, fragmentaciones, cortes, obstáculos visuales intermedios, etc. La manera de ver que ofrece la cámara evoca la difuminación del recuerdo, las lagunas de la memoria, el olvido gradual de las cosas del pasado. El relato parece reproducir en 2000 recuerdos de juventud, de acontecimientos sucedidos 40 años antes, de fuertes sentimientos desvanecidos. El ritmo parsimonioso, las imágenes a cámara lenta y los fotogramas congelados, sugieren los mecanismos propios de la memoria puesta a recordar un pasado lejano, perdido parcialmente en el olvido a causa de la flaqueza de la memoria y el paso del tiempo, ese valor preciado que avanza de modo imparable e inexorable, como recuerdan los numerosos relojes que se asoman a la pantalla.

Wong juega con el tiempo, funde en secuencias únicas cortes de escenas diferentes, privadas de referencias temporales. Los cambios de vestido de Su delatan la variedad de tiempos y circunstancias. La repetición de escenas iguales o muy similares corrobora lo dicho. Por ello, cabe decir que el film es deudor de Goddard y de Alain Resnais, de quien cita hacia el final “El año pasado en Marienbad” (1961). Así mismo es deudor de “Breve encuentro” (1945), de David Lean, cuya historia evoca con devoción y admiración.

Focaliza la atención en la exploración del mundo interior de los protagonistas: sentimientos, querencias, principios, deseos, afanes, temores, etc. Nos dice que este mundo es estrecho, íntimo y frágil, como lo son los habitáculos de sus viviendas, de sus lugares de trabajo, de las calles que recorren, siempre cerradas entre fachadas próximas e imponentes.

Los temas principales de la película son el amor, la recuperación de la memoria, el paso del tiempo, la fidelidad conyugal, la renuncia, el desamor, el desencanto, la soledad, la amistad, el carácter efímero de las cosas humanas, la futilidad del esfuerzo y del empeño, la belleza admirable del mundo, el envejecimiento, la muerte, etc.

La banda sonora, de Michael Galasso (“Chungking Express”, 1994), ofrece una partitura prominente y de gran lirismo, de 20 cortes. Entre éstos sobresalen “Angkor Wat Theme Finale”, “Cassanova’s Flaute”, “Li-zhen’s Dialogue” y otros. Como música adaptada añade varios temas románticos de moda en los años 60, a cargo de Nat King Cole, como “Aquellos ojos verdes”, “Quizás, quizás, quizás” y “Te quiero, dijiste”. Añade un tema envolvente y emotivo, el “Yumeji’s Theme”, de Shigeru Umebayashi. La fotografía, de Christopher Doyle (“Hero”, Zhang Yimou, 2002), traspira perfeccionismo, sencillez, elegancia y belleza.


Bibliografía

- Adolfo BELLIDO LÓPEZ, “Deseando amar”, encadenados.org.
- Joshua KLEIN, “Deseando amar”, ‘1.001 películas que hay...’, pág. 905, Grijalbo ed., Barcelona 2006 (6ª edición).